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Le Jour du pain (1998), Sergueï Dvortsevoï
Dvortsevoï appartient à l'école soviétique classique du cinéma documentaire, qui fait un pari égal sur le drame, les personnages intéressants et la composition clairement agencée du cadre. Son Jour du pain a été filmé à 80 km de Saint-Pétersbourg, dans une gare abandonnée. À proximité, se trouve un village où vivent uniquement des personnes âgées. Une fois par semaine, on leur apporte du pain, qui est laissé dans un wagon détaché. À chaque fois, les habitants poussent eux-mêmes ce dernier sur de vieux rails rouillés jusqu'à leur village.
La caméra insensible de Dvortsevoï, qui regarde avec indifférence d'abord le wagon grinçant et les efforts des vieillards pour le déplacer, puis les querelles de pauvres gens et d’une commerçante pour un morceau de pain, enregistre cette action ressemblant davantage à une représentation théâtrale. En fait, c'est une immersion complète dans la vie des héros, dont le réalisateur a habilement recueilli une image poétique dans ce village perdu, tandis que le documentaire a été primé dans toute l'Europe.
Les Belov (1992), Viktor Kossakovski
Ce film est devenu un classique du cinéma documentaire mondial. Kossakovski filme comme le faisait Hercs Franks – quand le cadre exprime autre chose que l'image. Pour le réalisateur, l'art et le symbolisme sont plus importants que la saturation des événements. C'est pourquoi ses histoires apparemment simples fascinent les publics du monde entier.
L'histoire des Belov, un frère et une sœur âgés qui vivent au bord d’une rivière, est l'une d'entre elles. Depuis de nombreuses années ils partagent une maison. Pendant la journée, ils plantent des pommes de terre ensemble, le soir, ils se disputent à table. Lui, ivre, promet une fois de plus de la trancher à la hache « pour son absence de but dans l'existence » ; elle, sait comment profiter de la vie sans prétexte et sans objectif, juste comme ça. Leurs positions de vie sont comme deux pôles, entre lesquels la caméra manœuvre lentement, dans le respect des deux.
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Comment devenir une garce (2007), Alina Roudnitskaïa
Il y a un an, Roudnitskaïa a présenté un long métrage intitulé L'école de la séduction, où de jeunes femmes russes décident de maîtriser l'art de la séduction des hommes, en suivant des cours spécialisés, et de mettre ensuite leurs compétences en pratique. Ses héroïnes, leurs succès et leurs chutes, elle les a filmés pendant sept ans, et le début de ce long projet a été motivé par son court-métrage Comment devenir une garce. Dans ce dernier, dans leur salle exiguë de formation en séduction, ces mêmes héroïnes commençaient tout juste leur épineux voyage vers le bonheur, s’entrainant à adopter des postures physiques aguicheuses ou à maîtriser les techniques visant à soutirer de l'argent aux hommes. Les festivals occidentaux ont ainsi pu examiner de près le système patriarco-archaïque des valeurs féminines russes et s'en sont extasiés.
Anton est ici, tout près (2012) Lioubov Arkous
Le premier film de la célèbre experte en cinéma Lioubov Arkous est devenu l'une des œuvres russes les plus puissantes du XXIe siècle. Tout a commencé avec un poème mélancolique, Les gens, écrit par un adolescent autiste, qui a été diffusé sur Internet et publié dans le magazine cinématographique Seans. Arkous a alors retrouvé l'auteur et a pu, tout en filmant, observer comment Anton, après la mort de sa mère d'un cancer, vivait dans des foyers sociaux, ne recevait pas d'aide adéquate et, de ce fait, devenait de plus en plus dépendant d’autrui. Peu à peu, elle s’est rapprochée du garçon, est devenue sa « seconde mère » et a révélé les stigmates dont souffrent un grand nombre de personnes atteintes d'autisme.
Anton est ici, tout près s'est avéré être un film-révélation et une déclaration d'auteur qui a changé la réalité. Il a en effet entraîné la fondation d'une société de bienfaisance, puis d'une fondation. Ce film a de cette façon réalisé le rêve du légendaire cinéaste soviétique Dziga Vertov, selon lequel la caméra changerait un jour le monde, le degré des relations humaines.
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L'Homme à la caméra (1929), Dziga Vertov
Le pionnier du cinéma Dziga Vertov a réalisé l'un des principaux films de l'histoire et, selon la revue spécialisée britannique Sight & Sound – le meilleur film documentaire de tous les temps. Une tranche silencieuse de fragments de la vie urbaine d'un homme ordinaire en URSS, dont certains ne durent que quelques secondes, démontre toutes les possibilités du langage cinématographique – du tournage accéléré au tournage en réflexion. Cette « nouvelle vision » a servi de manifeste et d'outil pratique pour les documentaristes du monde entier.
Film muet, L'Homme à la caméra a par la suite été mis en son à plusieurs reprises. Les meilleures versions sont celles de Michael Nyman et de The Cinematic Orchestra, qui combinent le bouillonnement en noir et blanc de la vie à l'écran avec le jazz moderne.
La chaleur des tendres. Plage très, très sauvage (2007), Alexandre Rastorgouïev
Ce film dédié aux vacances d'été des Russes à faibles revenus sur une étroite bande de la côte de la mer Noire choque par sa franchise, ses portraits sociaux des héros et ses scènes d’exploitation des animaux (on les amène à la plage pour que les touristes se prennent en photo avec eux, contre une certaine somme). Les téléspectateurs de la chaîne franco-allemande Arte ont d’ailleurs même envisagé de créer des mouvements sociaux pour la défense des chameaux russes.
Adhérant aux principes du « vrai cinéma » (pas de mise en scène, qualité négligeable, pas de restrictions), Rastorgouïev a donné naissance à un film rude, que beaucoup ont eu de la peine à supporter. Cette œuvre de 90 minutes a remporté le prix principal de l'IDFA – le principal festival mondial du film documentaire à Amsterdam. Comme l'a écrit Vitali Manski, le professeur de Rastorgouïev, « C'est une véritable épopée de l'existence russe, le sommet absolu du cinéma documentaire. Si Rastorgouïev n'avait fait que ce film, cela suffirait amplement pour parler de lui comme d'un génie ».
Vive les antipodes ! (2001), Viktor Kossakovski
Voici un autre chef-d'œuvre de Kossakovski, qui a ouvert le Festival de Venise en 2011. Le réalisateur prouve une fois de plus que le cinéma documentaire poétique n'est pas toujours condamné à n’être apprécié que par un cercle étroit de cinéphiles, mais qu'il peut être concurrentiel sur grand écran et avoir du succès.
Dans Vive les antipodes !, il trace une ligne directe à travers le centre de la Terre pour montrer les liens profonds qui existent entre les hommes et les paysages situés le plus loin possible les uns des autres. Pour cela, il s'est rendu en Chine, en Argentine, en Nouvelle-Zélande, en Espagne, en Sibérie, au Chili, à Hawaï et au Botswana.
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