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La rencontre de Kabakov avec l’art a lieu pendant la Seconde Guerre mondiale : évacué à Samarcande, il rejoint les classes de l’Institut de peinture, de sculpture et d’architecture de Leningrad, qui avait aussi été délocalisé en RSS d’Ouzbékistan. En 1944, il le suit à Serguiev Possad, dans la région de Moscou, puis intègre l’École des arts de Moscou, où il reste en internat de l’âge de 12 ans jusqu’à son inscription à l’Institut Sourikov. À la recherche de son propre langage, Kabakov déconstruisait les images classiques. C’est ainsi qu’est né Petit garçon, une interprétation de l’image de l’Homme de Vitruve et une métaphore malicieuse des images officielles. Ce n’est pas un hasard si Kabakov, décrivant cette peinture, disait : « La peinture a l’aspect d’un modèle... ».
Alors qu’il était étudiant à l’institut, il a suivi les cours de Robert Falk – Kabakov a décrit ses séances en atelier comme un « contact avec la Grande Peinture ». Ses premières œuvres ont été influencées par le style artistique de son mentor, notamment un autoportrait avec un bonnet de ski. Ce tableau est le dernier que l’artiste a peint de manière classique.
Après avoir obtenu son diplôme d’arts graphiques, Kabakov s’est tourné vers l’illustration de livres et de revues. Les magazines populaires Mourzilkaet Vessiolyé kartinki (Images amusantes) pour enfants, ainsi que de nombreux contes de fées et ouvrages éducatifs bénéficiaient alors du talent de l’artiste. Sa carrière d’illustrateur a duré trente ans : pendant cette période, il a créé des images pour 150 livres. Il est vrai qu’il avouait ne pas aimer réaliser des illustrations pour enfants, mais il se distinguait particulièrement en la matière.
Parallèlement, il peignait pour lui-même, créant des œuvres fondamentalement différentes des officielles. La série Douche est l’une de ces expériences. Elle fut l’une des premières à révéler la vision artistique unique de Kabakov. Il a commencé à y travailler au milieu des années 1960 et, en 1965, Douche a été présentée à l’exposition Réalité alternative II en Italie, à côté d’œuvres de René Magritte et de David Hockney. En URSS, cela a été désapprouvé, considérant Douche comme une sédition – la série démontrait prétendument la pauvreté du peuple soviétique. En Occident, cependant, le nom de l’artiste soviétique a été découvert.
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À la fin des années 1960, Kabakov installe un atelier dans le grenier d’une maison du boulevard Sretenski à Moscou, en compagnie de l’artiste Ülo Sooster. Très vite, les artistes ayant établi leur résidence dans les vieux quartiers de Moscou – Ilya Kabakov, Erik Boulatov, Viktor Pivovarov, Edouard Steinberg, Vladimir Iankilevski – acquièrent le surnom d’« école du boulevard Sretenski ». À cette époque, Kabakov commence à utiliser de plus en plus souvent des textes dans ses œuvres, créant ainsi le tableau figuratif Coléoptère, avec un poème tiré d’un livre pour enfants, que l’artiste avait illustré. L’insecte assis sur une feuille – « le plus approprié pour ma collection » – est peint à l’huile sur du contreplaqué. En 2008, chez Phillips de Pury, le tableau a été vendu pour la somme record de 5,84 millions de dollars.
Les années 1980 ont été une période de grande expérimentation pour Kabakov. Les musées européens voulaient organiser ses expositions personnelles, mais l’artiste ne pouvait sortir du pays le nombre d’œuvres nécessaires, et a donc décidé de prendre un risque : il a mis au point un guide pour en créer des copies. Les expositions ont ainsi été inaugurées comme prévu. Parallèlement, dans son atelier du boulevard Sretenski, il a commencé à travailler sur des installations qui ressemblaient au décor de la vie d’une personne. Les spectateurs pouvaient jeter un coup d’œil à l’intérieur et explorer l’existence quotidienne d’une personne fictive, et même marcher à travers elle. L’artiste lui-même a commencé à qualifier ses installations de totales, créant par là un nouveau genre d’art contemporain. L’une des premières œuvres de ce type est L’homme qui s’est envolé dans l’espace depuis son appartement. Au centre d’un petit espace, couvert d’affiches et de plans d’une machine volante, se trouve une catapulte – à en juger par le plafond perforé qui la surplombe, l’occupant de la pièce a réussi à réaliser son rêve.
Avec Viktor Pivovarov, Kabakov a créé une direction distincte – les albums. Dans les années 1970-1975, l’artiste a travaillé sur le cycle Dix personnages, dont les personnages – Assis-dans-le-placard Primakov, Généreux Barmine, Regardant-par-la-fenêtre Arkhipov et d’autres habitants d’un immense appartement communautaire – cherchaient à se cacher dans leur vie privée et à échapper au monde qui les entourait. En plaçant ses personnages dans le quotidien d’un appartement communautaire, l’artiste a créé une image collective de la vie soviétique : « On ne peut pas vivre dedans, mais on ne peut pas vivre autrement non plus ». En 1988, la galerie de Ronald Feldman à New York fait pousser les murs de l’appartement communautaire : Dix personnages devient une installation totale. En pénétrant dans les pièces, les visiteurs voyaient comment vivaient l’« Homme poubelle », l’« Artiste sans talent » et l’« Homme recueillant les opinions des autres ». Cependant, on ne les voyait pas eux-mêmes ; tous les habitants des pièces, comme dans les albums, avaient disparu.
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Album de ma mère est l’une des œuvres de Kabakov les plus puissantes sur le plan émotionnel. À partir des souvenirs de sa mère, Berta Solodoukhina, tapés sur une machine à écrire, et de photographies de Zaporojié et de Moscou, l’artiste a créé 76 feuilles d’« Album », qui forment une installation totale. Il dépeint une vie pleine de difficultés, d’angoisses et d’épreuves. Le voyage à travers l’installation est accompagné par l’artiste qui chante des romances russes. Cependant, lorsque les visiteurs trouvent la source du son, ils ont du mal à cacher leur déception : elle est cachée dans un tas d’ordures.
En 1989, Kabakov émigre à Berlin, où il rencontre Emilia Leckach, et le couple s’installe aux États-Unis. Dès lors, ils co-créent toutes leurs œuvres et se signent « Ilya et Emilia Kabakov ». Quelques mois avant l’effondrement de l’Union soviétique, l’artiste a présenté à Düsseldorf son installation Wagon rouge, une déclaration sur l’ère soviétique. Les visiteurs entraient par un escalier constructiviste et se retrouvaient dans un espace où, au son de la musique des années 1930 et 1940, ils pouvaient contempler le panorama d’un pays idéal avec des dirigeables, des immeubles et d’autres constructions. À la sortie (il fallait descendre un escalier cassé), ils étaient accueillis par des déchets issus de la construction du wagon. Le voyage à travers l’installation était une sorte de « promenade » à travers l’histoire de l’Union soviétique, de ses débuts à sa disparition. Quelques années plus tard, Ilya Kabakov a reçu le Lion d’or à la Biennale de Venise pour cette œuvre. En 2011, l’artiste a fait don de l’installation au musée de l’Ermitage.
Dans les années 1990, les œuvres de Kabakov ont été exposées dans les principaux festivals d’art et musées, tels que la Biennale de Venise, le Centre Pompidou et le MoMA de New York. Il a également participé à la célèbre exposition documenta. L’artiste a créé l’installation Toilettes spécialement pour cet événement. Au milieu des paysages idylliques de Cassel, une structure en béton typique est apparue avec les lettres М et Ж (M et J, initiales des mots russes pour Hommes et Femmes) – mais à l’intérieur, il y avait un logement avec un canapé et un tapis au mur, un buffet et une table dressée. Cela ne signifiait pas que les Soviétiques avaient été contraints de vivre dans des toilettes, mais que le pays, dans lequel la vie en communauté avait pu être combinée à de grandes fantaisies, et ses habitants, n’existaient plus.
L’un des projets les plus pérennes, qui a déjà parcouru la moitié du monde. Son objectif est d’enseigner le respect mutuel et d’accroître le niveau de tolérance. Les enfants sont toujours impliqués dans la création de l’installation et, pendant plusieurs mois, ils participent à des séances de discussion sur l’acceptation des autres cultures. Parallèlement, ils réalisent des dessins sur ce thème, qui deviennent les voiles du « navire ». Le premier projet a eu lieu dans l’oasis de Siwa en Égypte, où vit une tribu de Berbères, en 2005. Le bateau a ensuite voyagé en Italie, en Suisse, aux Émirats arabes unis, aux États-Unis, à Cuba et en Russie.
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